The
Carolina Chocolate Drops are one of those bands who are truly
refreshing. The musicians, Dom Flemons, Rhiannon Giddens and Justin
Robinson, are all young and the music they play is almost unknown to
most people. The mixture of old-time string and jug-band music they
play last saw wide scale popularity during the folk-music revival of the
1960’s and even then it was a style of music which many people
considered nearly dead. What may come as an even bigger surprise to
most people is the fact that all three members of the Carolina Chocolate
Drops are black.
Few people realize just how involved African American culture was in the
development of early roots music. The banjo, an instrument most often
associated with white country and folk music, is descended from the
African banjar, an instrument brought to America with the slave trade.
What even fewer people know is that jug-band music, a distinct mixture
of blues, old-time, jazz and ragtime, was originated and developed by
black musicians in living predominantly in Memphis. Sadly far less
black string-band music was recorded than white but thankful The
Carolina Chocolate Drops are carrying this unique tradition into the
21st century.
The Carolina Chocolate Drops formed in 2005 after the members met at The
Black Banjo Gathering, an event held in Boone, North Carolina. Their
first album, Dona Got A Ramblin’ Mind, was released the following year.
The Drops learned much of their repertoire from Joe Thompson, a
ninety-five year old black fiddler, and from pre-war recording artists
such as The Mississippi Sheiks, The Tennessee Chocolate Drops, The
Memphis Jug Band, Gus Cannon, and Papa Charlie Jackson.
Heritage, the second album from the Chocolate Drops, sees them branching
out. While Dona Got A Ramblin’ Mind was primarily made up of old-time
string band music Heritage includes styles as diverse as a cappella,
blues and spoken word.
The album opens with two songs sung by Rhiannon Giddens. The first,
“Another Man Done Gone”, is a traditional song about the horrors of the
chain gang performed in a chilling a cappella arrangement. The second,
Wayward Gal, is an acoustic blues song. Already the Chocolate Drops
have displayed their range in interpreting traditional music, the two
numbers being as different as can be but both equally compelling
Things are ramped up a notch or two with “Trouble in Your Mind”, a
driving old-time breakdown about, well, not getting trouble in your
mind. The track is taken from a live show and features some interesting
vocal accompaniment from Dom Flemons, as well as a hearty round of
applause at the end.
This is followed by Black Eye Blues, with features some great jazzy four
string banjo and the jug playing the bass line. After that its time
for Georgie Buck, a banjo-driven fan favorite learned from elder fiddler
Joe Thompson. This track once again features the jug taking the place
of the bass is it did on countless Memphis Jug Band and Gus Cannon
recordings in the 20’s and 30’s.
Up next is the atmospheric “Earl King”. A ghost story, this song
features only Dom Flemons and his four string banjo and appeared a year
earlier on his solo album but is none the less a compelling song. The
lyrics are taken from a poem of the same name by Franz Schubert.
The Chocolate Drops version of the traditional folk song “Jack O’
Diamonds” is without a doubt one of the albums standout tracks. It is
accompanied by only fiddle and hand claps and features Rhiannon Giddens
and Justin Robinson trading vocals. I can almost certainly guarantee
you have never heard anything quiet like this.
This is followed by another live song (“Short Life of Trouble”) and
another a cappella (“Po’ Lazarus”) before we reach one of my personal
favorites. Rickett’s Hornpipe is a traditional fiddle and banjo
instrumental but it’s the percussion that really makes it unique. The
song is driven along by Dom Flemons’ military sounding snare drum which
gives it a unique quality similar to Mississippi’s fife and drum
tradition. After this we’re treated to another fan favorite (“Cornbread
& Butterbeans”) and a second solo Dom Flemons performance, this
time accompanied by guitar (the “old-time hip-hop” of Jim Jackson’s
“Bye-Bye Policeman”).
The next song is somewhat of an oddity. It’s the Chocolate Drop’s
interpretation of The Real Old Mountain Dew, an Irish folk song written
by Edward Harrigan and Dave Braham in 1882. It’s an interesting example
of how the traditional music of the British Isles eventually mixed with
the traditional music of Africa to form the basis of much of America’s
roots music. This is followed by an old standard, “Sittin’ On Top of
the World”, originally written and recorded by The Mississippi Sheiks, a
black guitar and fiddle group popular in the 1930’s.
The album closes with “Banjo Dreams: Jalidong” and “Gambia”. “Gambia”
is by far the most African influenced track on the album while “Banjo
Dreams” is a spoken word piece. “In my dream history falls in on itself
and in my dream there is no blackface, no misappropriation, no
misdirection, no diasporic disconnect from the hammering of our great
grandfathers’ fingers. Instead banjo sounds frequent the air waves like
the most insidious hip-hop beat.” A fitting conclusion to an album
that strips away the stereotypes and clichés of old-time and jug-band
music while still remaining true to the traditions it is built upon.
“As margens do Rio Doce” é o nome do primeiro disco da banda
pernambucana Ska Maria Pastora, que surge após o bem-recebido EP
homônimo, lançado em 2008. Com produção musical de Yuri Queiroga.
Gravado no Fábrica Estúdios, o CD reúne 11 composições autorais,
além de duas releituras para os clássicos do frevo pernambucano
“Cabelo de Fogo” (Maestro Nunes) e “Elefante de Olinda” (Clidio Nigro e
Clóvis Vieira). A Ska Maria Pastora, que realizou uma parceria
inédita com Rogerman durante os shows de Carnaval, promete frevo e ska
para o ano inteiro.
“As margens do Rio Doce” conta com a participação especial de
alguns músicos convidados. São eles: Fabinho Costa (trompete) do
grupo A Trombonada, Parrô Mello (sax) e Rafinha (sax soprano). O
projeto gráfico de “As margens do Rio Doce” ficou a cargo do Estúdio
Super Terra, que assinou também a identidade visual de discos da
Caravana do Delírio, Caapora e Feiticeiro Julião, entre outros. Entre as
composições autorais que marcam presença no disco, estão a faixa
que dá título ao álbum de estreia da Ska Maria Pastora, além de
“Fanfarra Dominicana”, “O Destino de Fidel” e “Skarnaval”.
TRAJETÓRIA – Formada em 2008, o Ska Maria Pastora é um projeto de
música instrumental de músicos pernambucanos que possuem em
comum o gosto pelo ska, reggae e naturalmente pelo frevo.
Aproveitando a semelhança entre esses estilos, a banda fez do
principal ritmo de Olinda a base melódica para a composição do
Ska, provando que musicalmente estamos muito mais pertos do que
pensamos das outras culturas.
Fatoumata Diawara (born 1982) is a Malian musician currently living in France. Born in the Ivory Coast to Malian parents, Diawara moved to France to pursue acting, appearing in Cheick Oumar Sissoko's 1999 feature film La Genèse, Dani Kouyaté's popular 2001 film Sia, le rêve du python, in the internationally renowned street theatre troupe Royal Deluxe, and played a leading role in the musical Kirikou et Karaba. She later took up the guitar and began composing her own material, writing songs that blend Wassalou traditions of Southern Mali with international influencesNoted for her distinct "sensuous voice," she has performed and recorded with Oumou Sangaré, AfroCubism,Dee Dee Bridgewater (on Red Earth: A Malian Journey),and the Orchestre Poly-Rythmo de Cotonou.
Zaza Fournier nació en París en 1985, llegó a la chanson de manera progresiva y un poco inesperada. Comienza a practicar la música aún siendo muy joven, aprendiendo primero a tocar el violín, y luego, a la edad de 15 años, el acordeón, instrumento que, considera, le da más libertad. Sin embargo, es como actriz que Zaza considera hacer una carrera en la música, así pues, ingresa en el Conservatorio de París. Una vez terminados sus estudios, la joven se involucra en diversos espectáculos teatrales: la vida de actriz debutante no le da muchos ingresos, así que consigue trabajos temporales entre actuaciones.
Teniendo la costumbre de escribir textos, se le ocurre convertirlos en canciones, un poco para divertirse, otro poco para ganar algún dinero. Con un acordeón y música de acompañamiento adicional, grabada en un iPod, lleva a cabo mini conciertos en diversos establecimientos parisinos; se le puede escuchar en el barrio de Montmartre y en los alrededores de Beaubourg. Animada por sus amigos cercanos y el recibimiento del público, Zaza Fournier graba entonces una maqueta que envía, sin muchas expectativas, a diversos productores, mientras que continúa considerando su actividad de cantante como una suerte de accidente, paralelo a su carrera de actriz.
Siguiendo una lógica un poco gastada, pero siempre agradable, cuentos de hadas, casa disquera, y se deja seducir: Warner Music toma en sus manos la carrera de la cantante-acordeonista, quien saca en octubre de 2008 un primer álbum, titulado simplemente Zaza Fournier, y un single, "La Vie à deux". Mezcla técnicas de la chanson française tradicional y una postura, en segundo grado, resueltamente modernista que recuerda a algunas artistas de los años 80, como Elli Medeiros.
Luego de encontrar apoyo en el público, la divertida cantante retoma el camino del estudio para grabar su segundo álbum. Tres años después de su primer éxito, Zaza Fournier regresa con su fiel acordeón y una orquesta de cuatro músicos. Revelado en abril de 2011, el primer single "Vodka fraise" sirve de aperitivo para el álbum Regarde-Moi que finalmente sale en mayo.
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Née à Paris 1985, l'artiste connue sous le sobriquet de Zaza Fournier est venue à la chanson de manière progressive et un peu inattendue. Elle pratique la musique toute jeune, s'essayant d'abord au violon avant de se mettre, à l'âge de quinze ans à l'accordéon, instrument qu'elle trouve d'une plus grande liberté d'utilisation. C'est cependant comme comédienne que la demoiselle envisage de faire carrière, suivant une formation en ce sens au Conservatoire de Paris. Une fois ses études terminées, la jeune femme enchaîne les cachets dans divers spectacles théâtraux : la vie de comédienne débutante ne permettant pas toujours de rouler sur l'or, elle tient des petits boulots entre deux rôles.
Ayant l'habitude d'écrire des textes, elle a l'idée de les mettre en chanson, un peu pour s'amuser et un peu pour se faire de l'argent de poche. Avec un accordéon pour l'accompagner et une musique d'accompagnement additionnelle, enregistrée sur son iPod, elle réalise des mini-concerts dans divers établissements parisiens ; on l'entend dans le quartier de Montmartre et dans les environs de Beaubourg. Encouragée par ses proches et par l'accueil du public, Zaza Fournier enregistre alors une maquette qu'elle envoie sans trop y croire à divers producteurs, alors qu'elle continue de considérer son activité de chanteuse comme une sorte d'accident de parcours, parallèle à sa carrière d'actrice.
Suivant la logique un peu éculée, mais toujours agréable, des contes de fée, une maison de disques, et pas la moindre, se laisse séduire : Warner Music prend en main la carrière de la chanteuse-accordéoniste, qui sort en octobre 2008 un premier album, titré simplement Zaza Fournier, et un single, « La Vie à deux ». Mêlant techniques de la chanson française traditionnelle et une posture second degré, résolument moderniste et rappelant volontiers certaines artistes des années 1980, comme Elli Medeiros.
Après être partie à la rencontre de son public, la rigolote chantante reprend le chemin du studio pour l'enregistrement de son deuxième album. Trois ans après son premier succès, Zaza Fournier revient avec son fidèle accordéon et un orchestre de quatre musiciens. Dévoilé en avril 2011, le premier extrait « Vodka fraise » sert d'apéritif à l'album Regarde-Moi qui arrive fin mai.
Isabelle Geffroy (nacida el 1 de mayo de 1980 en Tours), más conocida por su nombre artístico Zaz, es una cantante francesa que fusiona el jazz, la música francesa, el soul y la música acústica. Se hizo famosa con su canción "Je veux", tema de su primer álbum, Zaz, que fue lanzado al mercado el 10 de mayo del 2010.
Su madre fue profesora de español y su padre trabajaba en una compañía eléctrica. En 1985, se matriculó en el Conservatorio de Tours con su hermana y su hermano, donde estuvo desde los 5 a los 11 años. Allí estudió solfeo, violín, piano, guitarra y canto coral. En 1994 se mudaron a Burdeos. En 1995, tomó clases de canto, y practicó deportes durante un años en Burdeos, mientras que estudiaba kung fu con un entrenador profesional. En 2000, obtuvo una beca local, lo que le permitió matricularse en una escuela de música moderna; el CIAM de Burdeos (Centro para la Información y las Actividades Musicales). Entre sus influencias musicales se encuentran 'Las Cuatro Estaciones' de Vivaldi, cantantes de jazz como Ella Fitzgerald, y otros cantantes como Enrico Macias, Bobby McFerrin y Richard Bona, así como ritmos africanos, latinos y cubanos. En 2006 se fue a vivir a París.
En 2001, comenzó su carrera musical como cantante en el grupo de blues "Fifty Fingers". Cantó con otros grupos enAngoulême, particularmente, formó parte de un quinteto de jazz.Fue una de los cuatro cantantes de Izar-Adatz (que en vasco significa "Estrella Fugaz"), un grupo formado por dieciséis integrantes con los que estuvo de gira dos años en la zonaMediodía-Pirineosy en elPaís Vasco. Ha trabajado como corista para grabaciones de estudio en Toulouse y ha colaborado con muchos cantantes como Maeso,Art Mengo, Vladimir Max,Jean-Pierre Madery Serge Guerao.
En mayo de 2010 la revista francesa Telerama anunció: "Han surgido rumores estas semanas: Zaz tiene una voz sagrada y será la revelación del verano". El 10 de mayo del 2010, Zaz lanzó su primer álbum al mercado. Contiene temas compuestos por ella misma ("Trop sensible") y otros co-compuestos ("Les passants", "Le long de la route", "Prends garde à ta langue", "J'aime à nouveau", "Ni oui ni non"). El álbum ha sido producido por Kerredine Soltani con la discográfica "Play On", quien ha escrito y compuesto el éxito "Je veux". El cantante pop Raphaël Haroche ha compuesto las canciones "Éblouie par la nuit", "Port Coton" y "La fée". En 2010 firmó un contrato para su gira con Caramba y Sony ATV. Ha tenido varias apariciones en televisión (en programas como Taratata o Chabada) y en radio.
Después estuvo de gira en Francia (París, La Rochelle, Montauban, Saint-Ouen, Chateauroux, Landerneau, Fécamp...), dio un concierto en el Francofolies de Montreal (Canadá), en Monthey (Suiza), Bruselas, Berlín, Milán, etc. En otoño encabezó las listas de ventas en Bélgica, Suiza y Austria. Matthieu Baligand, su mánager y productor en Caramba Entertainment, hizo las siguientes declaraciones a Liberation: "Se está hablando mucho sobre ella ahora y la gente está esperando para verla... A pesar de la demanda, parece preferible que su primera gira se haga en cincuenta lugares pequeños en los que pueda tener una actuación creíble... Zaz es una artista popular e intuitiva, que conoce bien la música y que sabe cantar, pero hacer actuaciones de calidad es otra historia (...)." En noviembre de 2010, su álbum debut Zaz llegó a ser disco doble platino. Además recibió el premio Canción Revelación" de la Academia Charles-Cros. Zaz también ha recibido el Premio European Border Breaker Awards por ser la artista francesa más escuchada fuera de Francia en 2010. De acuerdo a una encuesta que publicó L'Internaute, Zaz fue la cantante francesa más popular del ranking de 2010.
En 2011, se unió al conjunto benéfico Les Enfoirés.
O crescimento do reconhecimento público da cantora
Lila Downs transforma hoje um álbum novo como "Pecados y Milagros" num
acontecimento. A artista mexicana, de visual carismático semelhante à da
pintora compatriota Frida Kahlo - vestidos coloridos, tranças e
adereços índios, pele morena -, é hoje um dos grandes ícones da world
music e uma das grandes embaixadoras da música mexicana, à custa de uma
agenda ao vivo bem preenhida, de participações em bandas sonoras de
filmes (o passo mais significativo é, sem dúvida, o biopic "Frida") e, acima de tudo, de uma discografia exemplar.
"Pecados y Milagros", com a militância política e
as referências à religião católica sempre à superfície, é outro caldo
cultural, que estica o manifesto de Lila Downs entre a cultura indígena
(especialmente da sua região de Oaxaca) e a ocidental (laivos de
pop-rock e até de electrónica), entre a disposição intimista das
rancheras mexicanas e a festa folclórica das cumbias. Nada que
surpreenda, portanto. Downs habituou-nos, e bem, a isto.
O sétimo álbum de estúdio da cantora
centro-americana, assente na língua castelhana, divide-se entre
composições originais (de Downs e do seu marido e colaborador Paul
Cohen) e muitas versões, desde temas de músicos pop mexicanos como Marco
Antonio Solís a monstros das rancheras como José Alfredo Jiménez e Cuco
Sánchez, o clássico do estilo huapango, 'Cucurrucucú Paloma' (que
Caetano Veloso também canta no filme de Pedro Almodóvar, "Fala com Ela")
ou o grande tema que imortalizou o compositor mexicano do século XIX
Macedonio Alcalá, 'Dios Nunca Muere'. As secções de metais mariachi
colam-se como um íman às canções, e há, inclusive, momentos de festança,
como 'Zapata Se Queda' que se podia misturar no meio do reportório de
Manu Chao.
Mas há uma diferença, substancial, face ao que
recebíamos de Lila Downs. A sua música vinha sendo uma estalada que nos
acordava do desmaio da mediania com que nos confrontamos amiúde. Mas
"Pecados y Milagros" é Lila Downs em regime light
e facilitista, para consumo externo acessível, que amolece não só a
força autêntica que lhe conhecíamos como a dos temas nos quais pegou:
'Vámonos' e 'Fallaste Corazón', derivados das mãos de Jimenez e de
Sánchez para Downs, passam a banais.
"Pecados y Milagros" é uma espécie de postal
turístico de Oaxaca - simpático, leve. A excepção clara é 'Xochipitzahua
(Flor menudita)', um minuto etéreo de Primavera, num lindíssimo falsete
de Downs. A partir da faixa seguinte, a nº 10 'Palomo del Comalito',
volta tudo ao normal, à vulgaridade. (Cotonete)
Formada em 2006 por Tibério Azul (vocal), Bruno Cupim (percussão),
Negro Grilo (percussão), Amendoim (percussão), Rodrigo Samico (Violão 7
cordas), Vinícius Sarmento (violão) e Vitor Araújo (piano), a banda Seu
Chico tem se apresentando por todo o Brasil cantando a história musical
de Chico Buarque de Holanda. Em seus shows, a marcante percussão do
grupo - influência musical vinda dos morros pernambucanos-, imprime
ritmos como o afoxé, o maracatu e o samba.
Atualmente, o grupo divulga o seu DVD e CD Tem Mais Samba, que foi
gravado na histórica casa Estrela da Lapa, no Rio de Janeiro. O trabalho
inclui músicas como Apesar de você, Partido Alto, Roda Viva, Quem te Viu Quem te Vê, João e Maria e o hit Jorge Maravilha,
entre outras. O making-off do vídeo conta com a presença do próprio
Chico Buarque, que bate um papo com os pernambucanos e os convida para
uma partida de futebol contra o famoso Politheama - time fundado por
Chico para receber amigos em jogos de confraternização. Jogos estes que
já contaram com figuras como Bob Marley, Ronaldo Fenômeno, Pelé entre
outras personalidades.
1. Pacantó 2. Goza Plinio Sierra 3. Milé (El Hombre Borracho) 4. Acompáñala 5. La Ripiá 6. La Cumbia Está Herida 7. Chambacu 8. Repárala 9. Pozo Brillante 10. Así Lo Grita Totó 11. La Paloma 12. Bozaa Y Media 13. Oye Manita 14. El Porro Mangueleño 15. Mami Watá
Nascida na Ilha de Mompox, Colômbia, desde cedo teve contato intenso com
a música e dança colombiana, familiarizando-se logo com os tambores e
seus ritmos. Pesquisadora, estudou em Cuba e Sorbonne, e seu trabalho é
reconhecido internacionalmente. Em 1983 cantou em Estocolmo na premiação
de Gabriel Garcia Márquez com o prêmio Nobel de Literatura. Explorando
livremente as diversas manifestações de culturas tradicionais
colombianas, o trabalho de Totó expõe toda a riqueza destas tradições,
remodelando-as e mesclando-as. A cumbia por exemplo, ritmo colombiano
por excelência que explora principalmente o acordeom, vem revisitada
neste disco, com metais e experimentações ritmicas diversas. Um bonito
trabalho, não deixe de baixar!
Academia da Berlinda é uma banda pernambucana, formada por Urêa (vocais e percussão), Hugo Gila (synth), Tom Rocha (percussão e bateria), Gabriel (guitarrra), Tiné (vocais), Irandê (bateria e percussão) e Yuri (baixo).
Formada desde 2004, a banda mistura o samba com cúmbia - ritmo originário da Columbia que se tornou popular na Argentina e em diversos países latino-americanos - com uma infinidade de ritmos, batidas, batuques, psicodelia e poesia; que se misturam em cada verso cantado.
Lançado virtualmente no dia 5 de janeiro deste ano, "Olindance" - segundo registro da banda - produzido por Duguinha Dub e a própria banda, é composto por 14 canções com uma cara bem experimentalista, marcadas por muita originalidade e profusão de ritmos distintos, sempre mergulhados num clima brega sessentista que dá gosto de ouvir.
Um belo disco de uma banda que merece sua especial atenção; da primeira à décima quarta faixa.
Over the course of the last several years, Amadou & Mariam’s music has become increasingly expansive, while remaining anchored by their trademark West African blues-rock. Manu Chao and Gorillaz front man Damon Albarn, in addition to their longtime producer/manager Marc-Antoine Moreau, have produced their recordings. In the same spirit of openness, the self-billed Blind Couple from Mali played a key role in Albarn’s multi-artist Africa Express concerts, and, more recently, performed informal L’Afrik C’est Chic jam sessions with various special guests in London and New York. Folila, their new album, due out April 10, 2012, on Because Music / Nonesuch Records, epitomizes their embrace of collaboration, with contributions by Santigold, TV on the Radio, Nick Zinner, Theophilus London, Bassekou Kouyate, and others. Folila is produced by Marc-Antoine Moreau, who has worked with the duo for the entirety of their professional career. They recorded the basic tracks in New York and then re-recorded them in Bamako. For the final album, they chose tracks from both sessions. From the first few seconds of the opening track, “Dougou Badia,” the music is instantly recognizable, with Amadou’s signature electric guitar soon joined by Mariam’s distinctive voice. Santigold, who co-wrote the song with Mariam, joins her on vocals. Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs) complements Amadou on guitar on this and other tracks.
Other notable collaborations include “Wily Kataso,” featuring TV on the Radio, and “Nebe Miri,” with the hip-hop artist Theophilus London. Bassekou Kouyate, another Malian artist who has accomplished a remarkable crossover in the US, plays ngoni on several songs. Folila is the first Amadou & Mariam studio album since Welcome to Mali, one of the most critically acclaimed recordings of 2009. An 8.4 review in Pitchfork said, “Inevitable is a good word for the stardom of Amadou & Mariam. People this amazingly talented and open to new sounds and ideas rarely remain obscure, especially after so many years honing their craft and building their catalog…This album is an affirmation of global connectivity and an emerging global culture that transcends and repurposes tradition as it sees fit—the sound of Mali merging with the world at large.” Indeed, the album won them their second Grammy nomination, a performance on “Late Night with Jimmy Fallon,” opening slots in stadium shows with Coldplay and U2, and plaudits from the New York Times, the Los Angeles Times, TIME, SPIN, Rolling Stone, FADER, and many others.
THE last song on “Sino,” the new album from Mexico’s premier rock band, Café Tacuba, begins as a sarcastic slice of Latin American protest folk, complete with earnest acoustic guitars and lyrics that feign gratitude for liberty and democracy. Then, without warning or good reason, the music is interrupted by a lengthy macho drum solo. It’s the kind you might expect to find on a Rush LP from the late 1970s, not on an album by a band known for using drum machines and traditional Mexican jarana guitars; a band known for inciting daunting mosh pits with swirling hyper-speed polkas and acoustic fiddle solos.
“I was like, ‘Are you sure you want me to do this?,’” said Victor Indrizzo, an alumnus of Beck’s band and the guest drummer responsible for the arena rock flashback, which he played on a kit rigged with 16 toms. “And they said that it was all about capturing what it feels like to be 16 when you don’t think about it too much, all that young, naïve energy.”
The album’s old-school rock embrace doesn’t stop there. There’s at least one “Baba O’Riley” wink, as well as hints of Yes and Emerson, Lake and Palmer. And the band’s mercurial lead singer, Rubén Albarrán, who has always come close to doing full-blown Johnny Rotten impersonations, actually does full-blown Johnny Rotten impersonations.
The sound helped fuel a lyrical turn toward collective self-analysis: a band taking stock of a nearly 20-year career. “If I made a list, I would see all my errors, from the smallest to the worst,” Mr. Albarrán sings on the nearly eight-minute-long single, “Volver a Comenzar.” “It would expose all of the wounds, the failures, lost loves and lies.”
“All of those influences from when we were teenagers just suddenly flowered,” said Mr. Albarrán, who has periodically changed his name since the band’s self-titled debut album for WEA Latina in 1992. (He was Pinche Juan then; for the moment he is calling himself Xixxi Xoo, a name he borrowed from an Aztec god of death.) “You have no idea how much fun we had. We were like, ‘Wow, that sounds like the Who!’ And then we’d laugh and keep playing.”
Café Tacuba has earned its reputation as Mexico’s most visionary rock band precisely because there has never been much that’s traditionally rock about it. Its previous homages have skewed less toward the Who and more toward the Mexican ranchera legend Chavela Vargas and the Dominican merengue-pop star Juan Luis Guerra. For the past two decades it has treated rock as a genre worth sustaining only if it could be exploded, repeatedly. “Café Tacuba are the most important touchstone for young bands looking to make original contributions to Latin rock,” said Nic Harcourt, musical director at the Los Angeles radio station KCRW, who has regularly featured the band on the station’s influential playlists. “They constantly challenge themselves and constantly challenge their fan base. Not unlike Radiohead, they just keep evolving in unpredictable ways.”
Which is why the more recognizable gestures “Sino” (Universal Music Latino) wears on its sleeve — thumping 4/4 rhythms, flamboyant Townsend-style guitar windmills, even a Supremes bass line — can at first seem surprising. But for a band long dedicated to cultural mash-ups, it doesn’t just make sense, it ends up sparking what could be Tacuba’s oddest album yet: years of patented eclecticism channeled into a shimmering valentine to the pleasures of rock as a language, a feeling.
“Classic rock is by far the biggest influence on the new songs,” said Joselo Rangel, the lead guitarist. “Yet we know that by running it through the filter of four Mexicans who are all around 40 years old and who’ve spent 18 years playing everything from sones huastecos to technopunk, the result would be something pretty original.”
For the past 18 years Café Tacuba has distinguished itself as a band of ceaseless and unpredictable reinvention. After flipping among scrappy punk, perky ska and Mexican folkloric styles on its debut album, Tacuba went panoramic, arty and political on 1994’s “Re,” which defied just about every genre rule of the Mexican music industry and became a Latin American rock classic (eliciting White Album comparisons). The band balanced industrial metal, romantic boleros, cheeky disco and bouncing norteño with stunning narrative-driven songs like “Trópico de Cáncer,” which told the story of an indigenous Mexican named Salvador, a disgruntled oil plant worker who gets tired of being “the bridge between savagery and modernism.”
In 1999, the year Ricky Martin’s “Livin’ la Vida Loca” put Latin crossover on the lips of industry executives in the United States, Tacuba’s record label, Universal, positioned the band’s next album, “Reves/Yosoy,” for an American marketing blitz. Yet in typical Tacuba style, the band insisted on releasing it as a double album, with an entire disc dedicated to spacey, abstract instrumentals that had numbers for titles. It won a Latin Grammy and got Tacuba compared (for the first time) to Radiohead, but it left record buyers scratching their heads.
“We have never let anyone really manipulate us as a band,” said the group’s keyboardist, Emmanuel del Real, whose sweet, sad-boy vocals are a nice counterpoint to Mr. Albarrán’s growls, hiccups and croons. “At many points people have asked us to do things to make us bigger or to sell more records, but we know that once you accept that, your image changes. We do things how we like to do them, and taking that position has given us the strength to maintain our ideology as a band.”
Holding fast to that position has been the very thing that has kept the band in business as a top-selling alternative act in Mexico. In a market that typically rewards rock formula and north-of-the-border imitation, Tacuba has created its own niche as Mexico’s most reliable aesthetic dissenter.
“The business people always ask us: ‘What do you prefer? Creative liberty or money?’” said Mr. Rangel, the guitarist. “And we always say, ‘Creative liberty.’”
Among the fruits of that liberty have been a series of whimsical solo projects. Mr. Rangel has released two solo albums of sparse indie rock. Mr. del Real has produced a number of young Mexico City alternative acts (Natalia Lafourcade, Bengala, Austin TV). The bassist, Quique Rangel, Joselo’s brother, moonlights with the Mexico City band Los Odio. And this year Mr. Albarrán released an electronica album under the alias Sizu Yantra.
The members’ growing individuality has left its mark on “Sino”; for the first time, all four trade off on lead vocals.
They grew up in Satélite, a middle-class suburb outside Mexico City, and were teenagers in the 1980s. They met as students at the local university, bonding over their affinity not only for classic American and British rock but also for Mexican alterna-rock innovators like Ritmo Peligroso, Botellita de Jerez and Axis, a prog-rock unit from Tacuba’s neighborhood that dabbled in Rush and Yes covers.
After dropping its original band name, Alicia Ya No Vive Aquí (Alice Doesn’t Live Here Anymore, the title of the 1974 Martin Scorsese film), Tacuba was discovered in the late 1980s, during a gig at a local book fair, by the ex-hippie and up-and-coming producer Gustavo Santaolalla, an Argentine now best known as an Oscar-winning film composer. Mr. Santaolalla helped the band get signed on the cusp of the rock en español boom of the 1990s, then went on work on all of the band’s studio projects.
“The mark of a truly great band is reinventing yourself with each album yet also staying the same,” said Mr. Santaolalla, a co-producer on “Sino.” “That’s what Café Tacuba do. They bring something completely new each time and yet maintain their identity as a band.”
Tacuba’s commitment to creative freedom has not only cemented the band’s status as a rock innovator throughout Latin America, but it has also been vital to its recognition within the world of alt-rock in the United States. In 2000 Beck invited the band to open his Midnite Vultures tour, and it is the only Latin American group to play both the Lollapalooza and Coachella festivals twice.
“What they were doing sounded amazing to me,” said Mr. Indrizzo, who first met the band members on the Beck tour and then, as he recalls it, begged them to let him record with them. “They were taking risks that Anglo bands were not taking and going farther out on a limb than anyone. Because Tacuba draws not just from rock and new wave, but from Mexico and Latin America, they have a wider palette than any band I can think of.”
During Mexican rock’s formative years in the 1950s and ’60s, bands were often criticized for not taking advantage of that palette, for being more imitators than inventors. Tacuba was intent on doing the opposite: using imported international sounds to create a rock language that was simultaneously local and global. “To me rock is not Anglo or English or North American,” Mr. Albarrán said. “Rock is the music of this time, of our time. It is the speed, it is the energy of the moment.”
While in the ’90s that philosophy gave Tacuba license to make specifically Mexican interventions into rock’s evolution — mixing son huasteco with electric guitars, for example — national identity has always been both foundation and trampoline for the band. In this regard Mr. Santaolalla calls Tacuba a pioneer of an approach to identity that is now widespread within cutting-edge Latin American art, whether it be the music of the contemporary Argentine composer Osvaldo Golijov or the films of the Mexican director Alejandro González Iñárritu.
“What we now see with this new wave of Latin artists is that they are making art not exclusively for the Latin world,” he said. “They’re bringing their identity to play in a more global game.”
At a concert at the Hollywood Bowl in July, Mr. Albarrán — dressed in a tight-fitting mod suit, his braids dangling below a bowler hat pulled so low over his eyes that holes had been cut into it so he could see — asked audience members to identify themselves by nationality: Mexicans, Peruvians, Salvadorans, Bolivians. Then, over the waves of partisan cheers, he announced that countries don’t really exist; they are just illusions.
“When we started as a band, we talked about a need to find a national identity,” he said. “Now I think that’s stupid, that it doesn’t exist. We are trapped by those categories. It’s like soccer fans who say, ‘I’m for Galaxy’ or ‘I’m for Chivas.’ That’s how the illusion begins. You start to think you are different from an Egyptian or a Romanian when really there’s no need for separation. There’s beauty everywhere.” (The New York Times).
01 – La Bala
02 – Shock
03 – Desclasificado
04 – Sacar La Voz
05 – El Rey Solo
06 – Quizas
07 – Si Te Preguntan
08 – Las Cosas Por Su Nombre
09 – Mi Mitad
10 – Las Horas
11 – Volver
Ana Tijoux é a MC preferida da casa nos últimos tempos. Seu show é impactante, seu som transborda qualidade tanto musicalmente, quanto liricamente, além de ter uma voz marcante nas rimas e nas melodias. Atualmente, Tijoux é um dos nomes mais reconhecidos internacionalmente no rap latino-americano, com carreira internacional ativa com passagens pelos Estados Unidos, Europa e Brasil. A chilena está lançando seu novo trabalho, o belíssimo “La Bala“, que conta com participação do brasileiro Curumin na faixa “Desclassificado“, além do uruguaio Jorge Drexler, os cubanos Los Aldeanos, a cantora americana Monica Blaire, e os conterrâneos de Santiago, Solo de Medina e Javier Barra. A produção é um caso a parte: beats pesadíssimos nas faixas mais sérias e instrumentais orgânicos e altamente musicais nas canções mais calmas. Destaque pra canção “Shock” que transformou-se em um hino de apoio aos estudantes chilenos durante os longos protestos por uma educação gratuita e de qualidade em 2011. (Só pedrada musical)
“Idílio” é um álbum que nasce em preto e branco, nas palavras próprias de Marina de la Riva. Não é primogênito. Da mesma lavra, vem uma possível dívida a qual alguns insistem em bancar existência nos cantos contemporâneos do país, como se estívessemos em uma adulação forçosa e constante para com o passado. De la Riva certamente é um possível alvo deste argumento. O consolo é que Lobão e sua expressividade artística em seu trato com as câmeras – e nunca mais com suas guitarras – já garantiram-no na direção de Maria Rita. Ou seja, a luta está num front no qual uma aspirina cortada pela metade já pode dar jeito na dor de cabeça momentânea.
De alguma forma, essa ponte latinoamericana que busca Marina e que é frequentemente citada pelos textos promocionais (ainda que alguns citem-se como críticos) terá que ser superada em suas primeiros reflexos de euforia e repulsa. Não há motivos para euforia porque a carioca comumente associada a seu pai e seu avô cubanos já havia registrado seu debute nessa ilha e o sabor do seu canto fresco – pelo surgimento – se enroscava a essa busca pelas texturas de seus laços.
Marina parece denunciar um péssimo jornalismo cultural deste momento pois os registros de sua persona são sempre pouco encantadores. Se não é culpa dos profissionais a busca por respostas como “sei que dou trabalho na hora de colocar meu CD em uma prateleira de lojas / meu tempo não é o da indústria, é o mesmo de uma fruta. Preciso amadurecer minhas produções para depois vendê-las”, então é hora de encerrar as ligações biográficas porque o interessante parece mesmo estar na música. E, tal como foi com Marina de La Riva, de 2007, em Idílio, a clareza do entorno que envolve a cantora é singular.
Antes de uma das gravações mais belas do ano, “Y”, “Idílio” abre com “Añorado Encuentro”, de Piloto Bea e Vera Morua, e quando pronucia “Hoy”, Marina diz do hoje e, ao mesmo tempo, encanta o leigo como se dissesse “oi”, como se mesmo não importasse o porquê do espanhol, o porquê do português. É um dos discos de 2012 pois encanta como disco. De voz que excita a cantora em torno de sua capacidade de interpretar, posto que esta é longe do exagero, de la Riva é, além de tudo, uma que preenche a cota que a ignorância não deixou umas tantas outras vozes femininasm, que pareciam levar aos encartes todo o cheiro do restaurante vazio na figura de repertório fraco (e, por vezes, sem nenhuma esperteza apelativa), preencherem.
Ao lado de Céu e Ava Rocha, é uma das cantoras mais interessantes. Com Pupilo, requisitado baterista da Nação Zumbi, constrói “Idílio” na combinação dos cancioneiros cubano e brasileiro, em um elenco que inclui Raul Souza e Pepe Cisneros, arranjo de Luizinho 7 Cordas para “Deixa Que Amanheça”, conhecida na voz de Emilinha Borba, uma peça mais deconhecida de Vinicius de Moraes, “Ausência” e o choro de “Propriedade Particular”, samba de Lulu Santos que fora deixado para comércio na loja iTunes em versão deluxe.
Infelizmente, parece irresistível às rádios e ao público o ocaso desse universo de interpretações femininas da MPB, todas permeadas de vícios ao lidar com a tradição. “Idílio” dificilmente conseguirá romper essa percepção pois não nasceu pra isso. Contraditoriamente, “Idílio” é um dos melhores de 2012 mas não é de agora. Idílio se comporta não por ser conservador, mas por ser transgressor uma vez que os lábios femininos entorpecem com tanto batom, gosto de cerveja e oportunismo entoados e estocados nas prateleiras poeirentas das lojas que venderam o álbum não só sem “Propriedade Particular”, mas também sem “Tu Me Acostumbraste”, bolero de Frank Domingues.
É difícil não associar o trabalho de Cícero à sua ex-banda, a Alice. Até porque quem escutou o Anteluz e o histórico Ruído, conhece bem aquela voz sofrida que se sobrepunha as 3 guitarras que a Alice se desafiava a criar e reger. Porém, o hiato sonoro entre Ruído (2007) e Canções de Apartamento, seu primeiro disco solo, cultivou certa curiosidade sobre qual destino se focaria o talento de Cícero Lins.
Ao cortar seu sobrenome, Cícero também lapidou os ruídos de guitarras e passou a andar mais solto, acompanhado apenas de seu violão e utilizando do suporte de Paulo Marinho (bateria) e Bruno Schulz (acordeon/piano/coro), para 3 anos após o fim da Alice e dezenas de discotecagens na noite carioca depois, lançar suas canções de apartamento ao mundo e novamente se sentir na correria de uma banda independente e sofrer para saber a opinião das pessoas e da imprensa sobre seu novo filho.
Climático, o disco é feito para se ouvir com atenção, deixando ecoar no ouvido e virar docemente a trilha sonora do seu dia. É brilhante. Uma viagem ao interior de uma mente que parece expressar-se perfeitamente em letras sentimentais, melodias densas e vocal tristonho. Por vezes, soa como as cantigas melosas de Milton Nascimento, a sensibilidade triste de Rodrigo Amarante e até como a pseudo-rockeiragem de Caetano Veloso. Ao mesmo tempo, você sente pulsar aquele timbre, passagem ou composição que a Alice usou para conquistar fãs até hoje.
Depois de álbuns com fortes características conceituais, dos quais se destacam “3 Sessions in a Greenhouse” (2006) e “Sem Nostalgia” (2009), Lucas Santtana enfim lança – ao que parece, é sempre bom se lembrar – um disco sem fio condutor tão preciso quanto os precedentes. Longe de ser defeito ou algo a menos, a ausência de um elemento de fácil identificação permeando “O Deus que Devasta mas Também Cura” explicita mais e melhor a evolução e a consolidação de um estilo característico ao cantor e compositor baiano.
(A bem da verdade, “O Deus…” tem, sim, uma motivação central: o fim do relacionamento de Lucas com Anna Dantes, a quem o disco é dedicado, juntamente com o filho do casal. Mas a separação é tema de apenas parte das canções, como a que abre e dá nome ao disco. Além disso, trata-se de uma motivação exterior ao som, que não dita um ritmo ou uma ambiência específica ao disco e, se comparada aos motes dos álbuns anteriores, como o dub em “3 Sessions…” ou o violão em “Sem Nostalgia”, pouco representa no resultado final.)
Como disse, o caminho tomado por Lucas Santtana em “O Deus…” pode ser encarado como o de consolidação. Depois das experimentações nas canções dos discos anteriores, o cantor se decide por pequenos toques que remetem a esses procedimentos – como o sintetizador pontuado em “Jogos Madrugais”, que relembra os mashups com violões de “Sem Nostalgia”, ou mesmo o “abraço do grave”, como diz em “Ela é Belém”, presente nas experimentações com o dub e já parte recorrente da sua produção. Entretanto, os arranjos aqui são, em sua maioria, mais conservadores (nada de insetos, sons ambientes ao fundo, por exemplo), com bastante orquestração – ainda que arranjadas de uma maneira ligeiramente original – e sintetizadores preenchendo o som de fundo das canções. O resultado é provavelmente o melhor disco já feito por Lucas, mas o que menos se aventura por novas sonoridades e experimentalismos.
Com sua produção praticamente impecável, talvez este seja, também, o melhor exemplo (até então) da profissionalização técnica que a atual geração da música independente brasileira atingiu. Desta geração, pode-se contestar a capacidade de produzir boas melodias, refrões pegajosos ou épicos – como bem resume a tentativa fracassada de “É Sempre Bom se Lembrar” em soar grandiosa – mas é inquestionável como os discos independentes mais recentes soam mais acabados, em termos de produção. Além disso, com o recém lançado “Caravana Sereia Bloom” de Céu, o próximo disco de Curumin, “Arrocha” (com lançamento agendado para abril) e este último de Lucas Santanna, acredito estarmos diante da formação de uma sonoridade que pode ser vista como característica da produção independente brasileira, ao menos deste ano. Em grande parte, essa sonoridade similar se deve, me parece claro, ao aspecto colaborativo de um grupo específico da atual geração da música brasileira. Em “O Deus…” temos participações dos já citados Céu e Curumin, além de Rica e Gui Amabis, do produtor e guitarrista da Tulipa Gustavo Ruiz, da banda Do Amor, Kassin e Lucas Vasconcelos, além da produção de Chico Neves.
O disco de Lucas Santtana, nesse sentido, tem o mérito de ser um dos melhores – dos mais bens acabados, finalizados, produzidos, composto, arranjado etc. – exemplares da atual produção independente brasileira desse início de década. Além disso, por ser curto (menos de 40 minutos de duração) e de rápida assimilação, de poucas experimentações, mas com certa originalidade nos arranjos, com poucos erros ou excessos, “O Deus que Devasta Mas Também Cura” é um dos maiores acertos de Lucas Santtana na sua carreira.
Radio Music Society, the upcoming album from last year's winner of the Grammy Award for Best New Artist, jazz vocalist, bassist, and composer Esperanza Spalding is intended not as a sequel to her 2010 Chamber Music Society but as a "companion." The artist explains:
Originally I thought it would be fun to release a double album. One disc with an intimate, subtle exploration of chamber works and a second one in which jazz musicians explore song forms and melodies that are formatted more along the lines of what we would categorize as "pop songs." Those are the two things that really interest me, and it intrigues me to think about different presentation approaches while writing each kind of song.
Radio Music Society is intended as an application of jazz sensibility to pop ideas.
In "Radio Song," which opens the album, she describes what it's like to be riding along in a car, turning on the radio and coming across a snippet of a song that you've never heard before, Yet it immediately touches something almost mystical in you. It points, she explains, to the power of music to create an intimate connection between the artist and the listener, the power to create a "magical moment." Formally, the song itself does the thing it describes, as it captures that moment as the radio is turned on and the DJ sends "sweet salvation" with a song that speaks to you. It is a powerful introduction to a powerful album. Music is an emotional experience--too much intellectualizing can kill it. An older poet once said: "We murder to dissect." Spalding puts it her own way: "Art doesn't thrive with too much analyzing and explaining. The idea of 'radio music' is very broad."
Very broad indeed: of the dozen tracks on the album, ten of which are Spalding originals, variety is the key. "Cinnamon Tree" is a gentle celebration of friendship, while "Land of the Free" is a dramatic social commentary on the problem of false imprisonment. "Black Gold" could pass for an anthem on Black pride and the African American ancestry, while "Hold on Me" is an old style bluesy unrequited love song with a contemporary twist or two. "Vague Suspicions" takes a keening look at how we deal with the horrors of modern wars, while "City of Roses" is a brightly energetic tribute to her hometown, Portland, Oregon (" a little piece of heaven").
Stevie Wonder's "I Can't Help It" and Wayne Shorter's "Endangered Species" with original Spalding lyrics are the two cover tracks on the album. Spalding credits Joe Lovano, who plays on the track with the insight that when you're playing a classic you need to put your own stamp on it. The key to her interpretation, she says, is "a dance between subtlety and effervescent eagerness." Gretchen Parlato, Becca Stevens, and Justin Brown join her on the vocals. Pianist Leo Genovese had originally suggested playing the Shorter composition live, and they had been "saturated for years exploring" the tune before she wrote the lyrics. Proceeds from the song will go to a conservation association (just as proceeds from "Land of the Free" will go to the Innocence Project).
Joining Spalding on various tracks besides Lovano, Genovese and drummer Terri Lyne Carrington are Jack DeJohnette, Billy Hart, Jef Lee Johnson and Lionel Loueke. Portland mentor Janice Scroggins plays piano on "Hold on Me" and the horn section of the American Music Program, a youth band directed by Dr. Thara Memory, is featured on four tracks. Other vocalists include Algebra Blessett, Lalah Hathaway, Leni Stern and hip-hop artist, Q-Tip.
Escuchando música infantil, aprendiendo a ser madre y contagiándose de la energía de su hija, Candela… En esas condiciones, Bebe concibió su tercer disc, Un Poquito de Rocanrol, en donde reflejó cómo se siente en este momento de su vida.
“Considero que el disco es súper energético y con mucho humor negro. Tiene mucha energía positiva y es que, con el bebé aquí tienes que estar con toda la energía arriba, no hay tiempo para ponerse triste, para darle importancua a otras cosas”, explicó la española al respecto.
La cantante anunció durante la entrega del Latin GRAMMY del 2009 que estaba embarazada y, a partir de ese momento, se dio tiempo para disfrutar de esta nueva etapa de su vida. Ahora, con la nena un poco más grande, se alistó para volver a la música.
El proceso no fue sencillo, sin embargo, como toda una profesional, se entrenó para trabajar por las noches en la composición de sus canciones.
“Me fui a a París y ya después empecé a coger ritmo y viajaba de España a París. Cuando me iba por bloques de una semana o bloques de 10 días trabajaba de noche.Era muy divertido porque cuando estás organizada aprovechas el tiempo de ser madre”, contó.
La producción estuvo a cargo de Renuad Letang, quien ha trabajado con Franz Ferdinand, Manu Chao, entre muchos otros.
O talentoso grupo vocal The Puppini Sisters lançou seu terceiro álbum da carreira, o “Hollywood”, que certamente imprime todo o glamour do nome. Pelo menos o glamour hollywoodiano daqueles dias.
Mantendo a mesma fórmula dos dois álbuns anteriores, Marcella Puppini, Kate Mullins e Stephanie O’Brien, continuam respirando ares dos anos 40, e desta vez trazem versões de alguns clássicos do cinema, como "Parle Plus Bas” - versão francesa de "Speak Softly Love" do filme "O Poderoso Chefão".
Com a mesma estrutura de harmonia vocal, o disco foi gravado assim como se fazia antigamente: as três cantoras ao redor do mesmo microfone. E com isso, nada de “arrumadas” em programas como Auto-Tune.
Em “Hollywood” as Puppini Sisters escolheram um repertório dinâmico com o trava-língua em francês "Moi Je Joue", o estilo swing de "I Got Rhythm" e a vulnerabilidade de "Moon River".
E tudo com cara de trilha sonora de filmes em preto e branco, saindo de um gramofone enquanto se toma um chá na sala de estar. Tem ainda um standard de Frank Sinatra, “September Song" e um famoso número de Judy Garland, “Get Happy” com direito a banjo e violino.
Destaque para a interpretação dos clássicos “Diamonds Are a Girl's Best Friend”, da musa Marilyn Monroe e “I Feel Pretty” do filme “West Side Story”. Apesar de não haver novidades na sonoridade do trio, “Hollywood” não deixa de ser um álbum agradável de se ouvir.
